A Trupe Silvas de Teatro, originária de São Gonçalo e reconhecida como Ponto de Cultura no Rio de Janeiro, traz aos palcos uma reflexão pungente sobre a condição feminina com o espetáculo “Teresas”. Vencedora do Júri Popular do Festu 2025, a obra escrita e dirigida por Madu Emmerick parte do cotidiano de uma mulher que vive no subúrbio carioca para descortinar as estruturas da violência de gênero que ainda permeiam a sociedade brasileira. Entre cotidiano, sambas e silêncios da conivência social, a peça narra a busca por liberdade, e ergue-se como um manifesto coletivo contra a naturalização da opressão e o apagamento feminino.

Com elenco formado por Amanda Lívia, Beatriz Venâncio, César Werneck, Jhessy S, João Vitor Ferraz e Juliane Andrade, a encenação constrói um contraste potente entre a pulsação vibrante e festiva da cidade e os abismos internos da protagonista. Teresa Maria carrega o peso das expectativas sociais, equilibrando-se entre relações afetivas marcadas pela ambiguidade e o desejo latente de romper com o ciclo de violência. A dramaturgia expõe os desafios de uma mulher que desobedece o roteiro de submissão. O subúrbio se torna um microcosmo das pressões patriarcais, onde as pequenas alegrias do dia a dia resistem em meio ao medo e ao julgamento social. Felizmente, é também nesse território que Teresa encontra uma rede de apoio constituída por mulheres e homens, essencial para sustentar seus passos.

Um dos impactos fundantes de “Teresas” reside na sua recusa em alienar a arte da dura realidade, já que ela irá compor sambas com esse enredo.  A violência contra a mulher é tratada como uma violação sistêmica dos direitos humanos, fundamentada na desigualdade de gênero. Os números que acompanham a urgência da peça são alarmantes: mais de 1.500 mulheres perderam a vida no Brasil em 2025, muitas vezes em situações presenciadas por testemunhas omissas. Como bem pontuado pela protagonista Juliane Andrade e pela diretora Madu Emmerick, levar essa história ao palco é dar superfície a narrativas sistematicamente escondidas, tornando o teatro um espaço seguro para transformar uma dor coletiva em debate público, sensível e tocante.

Além de sua relevância temática, o espetáculo reafirma a força descentralizada da cena teatral jovem. A juventude do grupo traz à cena um espetáculo dinâmico, corporal e musical, no qual as coreografias e a direção de movimento de Fernanda Dias estão repletos de sentido e vibração cênica. Impressiona a energia e domínio da respiração, fala e ocupação do palco pelo grupo, principalmente na sequência de movimentos que evoca as brincadeiras da infância. Surpreendente. A cenografia de Cachalote Mattos traz tecidos pintados com imagens de bichos e números, bem ao gosto da influência do jogo do bicho, prática arraigada no território brasileiro, sobretudo no Rio de Janeiro, compondo sua paisagem cultural. Também o samba e o funk fazem parte desse imaginário e aparecem na peça de modo predominante. A iluminação de Paulo Bikila complementa o enredo com as nuances e estabelecendo os climas das cenas, sobretudo aquelas que acentuam o drama da protagonista, com a representação das violências, de forma teatralizada nas primeiras aparições e mais realistas nas próximas cenas, recurso talvez utilizado justamente para acompanhar a exposição da percepção da protagonista sobre essas violências vivenciadas.